실용음악 입시생을 위한 아티스트 필독 가이드
이 페이지에 오는 아티스트들은 단순한 공연자가 아닙니다.
그들의 계보·대표곡 히스토리·입시 인사이트를 한곳에 담았습니다.
허비 행콕(Herbert Jeffrey Hancock, 1940~)은 모던 재즈 피아노의 역사를 한 몸으로 관통한 살아있는 전설입니다. 시카고에서 태어난 그는 11살에 시카고 심포니 오케스트라와 모차르트 협주곡을 협연한 신동으로, 클래식의 정밀함 위에 재즈의 자유로움을 쌓아올렸습니다.
1960년대 마일스 데이비스 퀸텟의 핵심 피아니스트로서 Kind of Blue 이후 포스트 밥을 재정의했고, 1973년 Head Hunters로 재즈에 펑크와 전자음악을 접목시키며 퓨전 재즈의 새 장을 열었습니다. 1983년에는 힙합 비트를 재즈로 가져온 Rockit으로 스눕 독이 "힙합을 만들어줘서 고마워요"라고 한 장본인이 되었습니다.
재즈 피아노 입시생에게 허비 행콕은 재즈 화성이 어떻게 진화해왔는지의 교과서입니다. 하드밥 → 포스트밥 → 퓨전 → 전자음악 → 뉴에이지까지, 그의 앨범 순서가 곧 현대 음악의 연대기입니다.
허비 행콕 최고의 작곡 걸작. "처녀 항해"라는 제목처럼 광활한 바다를 항해하는 듯한 감각을 음악으로 구현합니다. D 서스펜디드(Dsus) 코드의 반복에서 시작해 모달 재즈의 특성을 완벽히 보여주며, 각 화음이 특정 조성 중심 없이 부유하듯 전개됩니다. 이 곡의 화성 구조는 마일스 데이비스의 Kind of Blue에서 시작된 모달 재즈의 직접적 계승이자 발전입니다.
📚 입시 포인트: 모달 재즈(Modal Jazz)의 핵심. "코드 진행이 아닌 스케일 위에서 즉흥 연주한다"는 개념을 귀로 체감할 수 있는 가장 아름다운 곡.
허비 행콕이 만든 가장 유명한 재즈 스탠다드 중 하나. Fm7 — Ab7 — D7 — Db7으로 이루어진 단순하면서도 독창적인 블루스 변형 진행이 핵심입니다. 1993년 US3의 힙합 샘플링 버전 Cantaloop (Flip Fantasia)가 빌보드 팝 차트에 오르며 재즈와 힙합의 연결 고리를 만들었습니다. 이 샘플링이 이후 재즈-힙합 장르의 문을 열었다는 평가를 받습니다.
📚 입시 포인트: 재즈 블루스 변형 진행의 교과서. 단 4개의 코드로 어떻게 완전한 음악 세계를 만드는지 — 그리고 이것이 어떻게 힙합 샘플링의 역사를 바꿨는지.
재즈 역사상 가장 중요한 피벗 포인트 중 하나. 허비 행콕이 기존 재즈 밴드를 해산하고 완전히 새로운 퓨전 밴드를 결성해 만든 Head Hunters의 오프닝 트랙입니다. Bbm-Eb의 두 코드 위에서 전개되는 15분짜리 펑크 그루브로, 신시사이저와 전자악기를 재즈에 도입한 혁명적 시도였습니다. 이 앨범은 역대 가장 많이 팔린 재즈 앨범 중 하나입니다.
📚 입시 포인트: 재즈-펑크 퓨전의 탄생. 전자악기가 재즈 안으로 들어오는 역사적 순간. MIDI 작곡 전공자라면 이 사운드 디자인을 반드시 분석해야 합니다.
힙합 역사의 한 페이지. 스크래칭 DJ, 전자 드럼, 신시사이저 베이스를 결합한 이 곡은 재즈 아티스트가 힙합·일렉트로닉 비트를 정면으로 도입한 최초의 메이저 히트곡입니다. MTV 뮤직 비디오 어워즈 5개 부문 수상, 영국 차트 8위. 스눕 독은 훗날 행콕에게 "힙합을 만들어줘서 고마워요"라고 말했습니다.
📚 입시 포인트: 장르 파괴의 용기. 재즈 거장이 힙합·전자음악을 수용한 결단이 어떻게 새 역사를 만들었는지 — 아티스트의 정체성과 시대 수용의 관계.
Grammy 올해의 음반 수상작의 절정. Joni Mitchell이 1967년 처음 쓰고 직접 재녹음한 이 버전에서, 행콕의 피아노는 미첼의 목소리 뒤에서 완벽히 지지하면서도 대화합니다. 젊음과 노년, 이상과 현실의 "두 면"을 바라보는 노래를 60대 두 아티스트가 함께 부른 것 자체가 음악이 됩니다.
📚 입시 포인트: 반주자로서의 피아노. 솔리스트가 아닌 서포터로서 얼마나 깊은 음악적 기여가 가능한지. 듣기 능력(Listening)의 최고 수준.
"허비 행콕은 모달 재즈에서 퓨전, 전자음악, 힙합까지 시대마다 재즈의 언어를 새로 쓴 — 재즈 피아노 85년의 역사이자 현재인 유일한 아티스트다."
존 바티스트는 뉴올리언스 출신의 피아니스트·보컬리스트·작곡가입니다. 줄리아드 음대를 수석으로 졸업하고 CBS 레이트 쇼(Late Show with Stephen Colbert)의 하우스 밴드리더를 11년간 맡으며 대중에게 이름을 알렸습니다.
2022년, 그는 Grammy에서 앨범·R&B·뮤직 비디오·전통 R&B·사운드트랙까지 5개 부문을 동시 석권하는 전무후무한 기록을 세웠습니다. 경쟁자는 Billie Eilish, Olivia Rodrigo, Taylor Swift, Kanye West였습니다. 피아노를 치면서 걸어 다니며 하모니카를 불고, 관중 속으로 뛰어들어 노래하는 퍼포먼스는 그의 트레이드마크입니다.
입시생에게: 존 바티스트는 "음악 교육의 깊이가 어떻게 완전한 아티스트로 연결되는가"의 가장 현대적인 증거입니다. 클래식→재즈→팝 전 장르를 정복한 뮤지션.
Grammy 올해의 음반 수록 앨범의 리드 싱글. 가스펠 합창의 웅장함, R&B의 그루브, 재즈 피아노의 즉흥성이 하나로 흐릅니다. 팬데믹 시기 억눌린 인류에게 건네는 해방의 메시지를 담았으며, Lil Wayne과의 협업이 재즈와 힙합의 또 다른 가교를 만듭니다. 코러스의 합창 레이어링이 편곡의 핵심.
📚 입시 포인트: 가스펠적 합창 구조와 재즈 화성의 결합. 보컬 레이어링이 어떻게 감정적 절정을 만드는지 분석.
존 바티스트의 피아노 작곡 능력이 가장 순수하게 드러나는 곡. 재즈 스탠다드의 진행 방식을 현대적으로 재해석하며, 왼손의 보사노바적 리듬 패턴 위로 오른손의 블루스 인플루언스가 담긴 선율이 흐릅니다. 복잡한 편곡 없이 피아노와 목소리만으로 완전한 세계를 만들어냅니다.
📚 입시 포인트: 피아노 솔로 편성의 힘. 얼마나 단순한 편성에서도 깊은 음악이 가능한가 — 기교보다 감성이 먼저인 이유.
Pixar 영화 Soul에서 주인공 Joe Gardner가 재즈 클럽 무대에 처음 서는 장면에 흐르는 즉흥 피아노 연주. 실제로 존 바티스트가 즉흥으로 연주한 이 장면은 "재즈란 무엇인가"에 대한 영화 전체의 대답입니다. 준비된 악보 없이 감정이 직접 손끝으로 흐르는 것, 그것이 재즈입니다.
📚 입시 포인트: 즉흥연주(Improvisation)의 본질. "생각하는 것이 아니라 느끼는 것"이 즉흥의 시작임을 이 장면에서 배우세요.
"존 바티스트는 줄리아드의 정밀함 위에 뉴올리언스의 그루브를 얹어 Grammy 5관왕을 달성한, 장르가 아닌 감정을 연주하는 21세기 가장 완성된 음악가다."
아투로 산도발은 쿠바 출신의 트럼페터로, 재즈 역사상 가장 기술적으로 완벽한 트럼페터 중 한 명으로 평가받습니다. 12살에 쿠바 국립예술학교에 입학해 클래식 트럼펫을 수학했고, 이후 비밥의 창시자 Dizzy Gillespie를 직접 만나 재즈를 배웠습니다. 디지는 그를 "내가 만난 가장 위대한 트럼페터"라고 불렀습니다.
1990년, 그는 쿠바 정부의 억압을 피해 그리스에서 미국으로 망명을 신청했습니다. 음악적 자유를 위한 그 결단은 빌 클린턴 대통령의 특별 조치로 미국 시민권을 얻는 것으로 이어졌습니다. 그의 삶은 1999년 HBO 영화 For Love or Country로 제작되었고, Andy Garcia가 산도발 역을 맡았습니다.
관악기 전공 입시생에게: 산도발의 음역대(Double High C 이상), 속도, 톤의 순수함은 트럼펫이 도달할 수 있는 기술적 최정점을 보여줍니다.
"나의 조부모들에게"라는 제목의 라틴 재즈 발라드. 쿠바를 떠나 미국에 망명한 직후 발표한 앨범의 감동적인 트랙으로, 고향에 대한 그리움과 자유를 향한 갈망이 트럼펫 선율 안에 고스란히 담겨있습니다. 기술이 아닌 감정으로 듣는 트럼펫의 가능성을 보여주는 곡.
📚 입시 포인트: 악기로 이야기를 전달하는 법. 기교 뒤에 있는 감정의 층위를 읽는 훈련을 이 곡으로 시작하세요.
Dizzy Gillespie가 1947년 작곡한 라틴 재즈·비밥 클래식을 스승과 제자가 함께 연주한 역사적 협연. "Manteca"는 스페인어로 "라드(돼지기름)"이라는 뜻으로, 쿠바 리듬과 비밥 즉흥연주가 처음으로 완전히 결합된 기념비적 곡입니다. 두 세대 최고의 트럼페터가 만나는 순간.
📚 입시 포인트: 라틴 리듬과 비밥의 결합. 클라베(Clave) 리듬 위에서 비밥 즉흥이 어떻게 구현되는지 분석하세요.
"아투로 산도발은 자유를 위해 쿠바를 탈출하고 Grammy 10관왕을 달성한, Dizzy Gillespie의 정통 계승자이자 트럼펫이 닿을 수 있는 기술·감성의 최고점이다."
FKJ(본명 Vincent Fenton)는 프랑스 투르 출신의 멀티 인스트루멘탈리스트이자 프로듀서입니다. 피아노, 기타, 색소폰, 베이스, 드럼 패드, 신시사이저, 플루트 등 10개 이상의 악기를 혼자 루프(Loop) 페달로 쌓아올리며 라이브로 오케스트라 사운드를 만들어냅니다.
그의 장르는 "뉴 프렌치 하우스(New French House)"로 불립니다. Daft Punk, Air 등이 개척한 프렌치 일렉트로닉의 전통 위에 재즈의 즉흥성과 따뜻한 어쿠스틱 질감을 결합한 독자적인 사운드입니다. 스튜디오 앨범보다 라이브 퍼포먼스가 더 완성도 높다는 평가는 모든 악기를 실시간으로 연주하기 때문입니다.
MIDI·작곡 전공 입시생에게: FKJ는 "루프 스테이션과 DAW의 개념을 라이브로 구현하는 것"이 무엇인지 보여주는 최고의 레퍼런스입니다.
FKJ의 가장 유명한 협업곡. Masego의 색소폰 보컬(입으로 색소폰을 흉내내며 노래하는 기법)과 FKJ의 재즈-일렉트로닉 프로덕션이 완벽히 융합됩니다. 루프 페달로 실시간 쌓아가는 레이어가 뮤직비디오에 고스란히 담겨 있어, 어떻게 음악이 만들어지는지를 눈으로 볼 수 있습니다.
📚 입시 포인트: 루프 기반 작곡의 구조. "씨앗 하나를 심고 레이어를 쌓아 숲을 만드는" 방식이 현대 작곡의 핵심 개념.
FKJ의 전설적인 파리 라이브 세션 영상. 혼자 피아노로 시작해 기타, 베이스, 드럼, 색소폰, 신시사이저를 하나씩 쌓아올리며 완전한 밴드 사운드를 만드는 25분의 여정. 유튜브에서 수천만 뷰를 기록했으며, "어떻게 저게 혼자 하는 것이 가능한가"라는 경탄이 댓글의 전부입니다.
📚 입시 포인트: 어레인지먼트의 실시간 구현. 각 악기가 추가될 때마다 전체 사운드가 어떻게 변하는지 분석하면 편곡을 배울 수 있음.
"FKJ는 10개의 악기를 혼자 루프로 쌓아 라이브 오케스트라를 만드는 뉴 프렌치 하우스의 개척자로, 전자음악과 재즈가 하나의 몸에서 공존할 수 있음을 증명한다."
코리 헨리는 뉴욕 브루클린 출신으로, 3살에 교회 오르간을 연주하기 시작한 신동입니다. 가스펠 교회에서 음악적 뿌리를 내린 그는 Stevie Wonder, Lauryn Hill, Snarky Puppy 등과 협업하며 Hammond B3 오르간을 현대 재즈·펑크씬의 중심 악기로 되돌려놓았습니다.
그가 세계적으로 알려진 계기는 Snarky Puppy의 라이브 앨범 We Like It Here(2014)에서 Lingus를 연주하는 장면입니다. 솔로가 절정에 달하자 청중이 자발적으로 기립하며 환호성을 지르는 이 영상은 "진짜 즉흥 연주가 사람을 어떻게 움직이는가"를 보여주는 역사적 기록으로 남았습니다.
키보드·재즈피아노 전공 입시생에게: 가스펠 그루브와 재즈 즉흥의 결합을 배우려면 코리 헨리보다 좋은 교재가 없습니다.
코리 헨리를 세계에 알린 전설적인 라이브 연주. 곡 중반부터 시작되는 그의 Hammond B3 솔로는 가스펠의 영성, 재즈의 구조, 펑크의 그루브를 한꺼번에 폭발시킵니다. 솔로가 최고조에 달할 때 400여 명의 청중이 자리에서 일어나 환호하는 장면은 유튜브 역사상 가장 많이 공유된 재즈 영상 중 하나입니다. 반드시 영상으로 보세요.
📚 입시 포인트: 즉흥 솔로의 극적 구성. 어떻게 긴장을 쌓고, 언제 폭발시키고, 어떻게 착지시키는가 — 드라마 작법 그대로.
솔로 데뷔 앨범의 대표곡. 가스펠 교회의 열기 위에 네오소울의 부드러움을 얹은 곡입니다. 코리의 보컬은 오르간 연주와 완벽한 대화를 이루며, "내가 당신 곁에 있다"는 단순한 메시지를 30가지 방식으로 표현합니다. Stevie Wonder가 극찬한 곡으로도 알려져 있습니다.
📚 입시 포인트: 가스펠 보컬과 키보드의 상호작용. 목소리와 악기가 어떻게 같은 감정을 서로 다른 방식으로 표현하는지.
"코리 헨리는 3살부터 교회 오르간을 연주한 가스펠 신동으로, Snarky Puppy의 Lingus 즉흥 솔로 하나로 전 세계 청중을 일으켜 세운 Hammond B3의 현재이자 미래다."
트롬본 쇼티(본명 Troy Andrews)는 뉴올리언스 트렘 구역에서 태어났습니다. 4살에 트롬본을 처음 불었고, 6살에 이미 퍼낙 스트릿 퍼레이드에서 연주했습니다. 형이 드러머, 아버지가 음악가인 집안에서 자라며 뉴올리언스 특유의 세컨드라인(Second Line) 리듬과 재즈 브라스 전통을 몸으로 익혔습니다.
트롬본 쇼티의 라이브는 퍼레이드 에너지 그 자체입니다. 트롬본과 트럼펫을 모두 연주하며, 밴드 전체를 지휘하듯 이끌고, 관중을 무대 위로 불러올리는 퍼포먼스로 "트롬본의 록스타"라는 별명을 얻었습니다. Prince, U2, Lenny Kravitz와의 협업이 그의 장르 초월성을 증명합니다.
관악 전공 입시생에게: 트롬본이 얼마나 섹시하고 에너지 넘치는 악기인지를 가장 강렬하게 보여주는 뮤지션입니다.
트롬본 쇼티의 R&B-펑크 에너지가 폭발하는 곡. 뉴올리언스 브라스 밴드 전통의 핵심인 "두꺼운 혼 사운드"와 현대 R&B의 그루브를 완벽하게 결합합니다. 트롬본이 단순히 반주가 아닌 리드 솔로 악기로 기능하며, 음역대와 표현력의 극단을 보여줍니다.
📚 입시 포인트: 브라스 악기의 솔로 표현. 트롬본이 보컬처럼 노래할 수 있다는 것 — 슬라이드 기법과 다이나믹 컨트롤.
Grammy 수상 앨범 Lifted의 대표곡. 아프리카 음악과 뉴올리언스 전통, 현대 소울이 하나로 흐릅니다. "아름다운 무언가를 만들기 위해 태어났다"는 메시지를 담은 이 곡은 트롬본 쇼티의 음악적 선언문입니다. Grammy Best Contemporary Instrumental Album 수상.
📚 입시 포인트: 다양한 문화적 음악 전통이 하나의 곡에서 융합되는 방식. 아프리카→뉴올리언스→현대팝의 계보.
"트롬본 쇼티는 4살부터 뉴올리언스 퍼레이드에서 트롬본을 불어온 Grammy 수상자로, 관악기가 얼마나 생동감 넘치고 강렬한 솔로 악기인지를 온몸으로 증명하는 브라스의 록스타다."
알파 미스트(Alfa Mist)는 런던 출신의 재즈 피아니스트이자 래퍼, 프로듀서입니다. 그의 가장 큰 특징은 독학입니다. 정식 음악 교육 없이 힙합 레코드를 들으며 코드와 멜로디를 귀로 익혔고, 그 과정에서 J Dilla, Pete Rock, Madlib의 비트 감각과 Miles Davis, Bill Evans의 코드 진행이 자연스럽게 섞였습니다.
그가 속한 영국 재즈 씬(Yussef Dayes, Joe Armon-Jones, Moses Boyd)은 현재 세계 재즈에서 가장 뜨거운 흐름입니다. 힙합의 그루브를 품은 재즈, 재즈의 화성을 품은 힙합 — 그 경계를 무너뜨린 것이 UK 재즈의 혁신입니다.
입시생에게: "나는 제대로 배우지 않았다"는 콤플렉스가 오히려 독창성의 원천이 된 사례. 자신의 출발점을 부끄러워하지 말 것.
알파 미스트의 음악 세계를 가장 잘 보여주는 곡. 힙합 드럼 루프 위에 Bill Evans 스타일의 피아노 보이싱이 얹히고, 중간에 래핑이 들어갑니다. 장르가 충돌하는 것이 아니라 녹아든다는 느낌 — 힙합과 재즈의 DNA가 실은 같은 것임을 증명합니다.
📚 입시 포인트: 힙합 비트 위에서의 재즈 즉흥. "코드가 무엇인가"보다 "어떤 감정을 만드는가"가 더 중요하다는 것.
알파 미스트의 가장 완성도 높은 앨범 Bring Backs의 수록곡. 피아노 트리오 포맷에서 시작해 현악이 가세하며 풍성해지는 구성. 재즈 피아노의 즉흥성을 유지하면서도 클래식 현악의 질감을 더한 실내악적 접근이 독창적입니다. 독학자의 편견 없는 시각에서만 나올 수 있는 아이디어.
📚 입시 포인트: 재즈 트리오와 현악의 편성 결합. 장르를 모르는 것이 오히려 새로운 편곡의 가능성을 열 수 있다.
"알파 미스트는 힙합 레코드로 재즈를 독학해 UK 재즈 르네상스의 중심에 선, 클래식 교육의 부재가 오히려 독창성이 된 런던 재즈 씬의 가장 신선한 목소리다."
자넬 모네는 캔자스시티 출신의 싱어송라이터이자 배우입니다. 그녀의 음악은 아프로퓨처리즘(Afrofuturism) — 흑인의 미래를 SF적 상상력으로 구현하는 예술 운동 — 의 현대적 정점입니다. 영화 Hidden Figures, Moonlight에 배우로 출연하기도 했습니다.
Prince의 Paisley Park 레이블 소속으로 데뷔해 그의 직접적인 지도를 받았으며, James Brown의 펑크, George Clinton의 P-Funk, David Bowie의 글램록, Stevie Wonder의 소울을 모두 흡수해 자신만의 언어로 재창조했습니다.
보컬 입시생에게: 자넬 모네는 "퍼포먼스, 의상, 콘셉트, 음악이 하나가 된 완전한 아티스트"가 무엇인지를 보여줍니다. 음악은 사운드만이 아닙니다.
Prince가 사망하기 전 공동 작업한 것으로 알려진 곡. 공식 확인되지 않았지만 Prince의 기타 스타일이 고스란히 담긴 펑크-팝입니다. 성정체성과 자기 표현의 자유를 노래하는 가사, 양성적인 보컬, Prince를 연상시키는 기타 리프가 결합되어 Grammy 수상 앨범의 핵심 트랙이 되었습니다.
📚 입시 포인트: 아티스트 DNA 계승. 스승의 사운드를 어떻게 자신의 것으로 흡수하되 독창성을 잃지 않는가의 모범 사례.
자넬 모네를 세상에 알린 첫 번째 히트곡. James Brown의 펑크, Motown의 소울, 뉴올리언스 재즈의 브라스가 한 곡 안에 공존합니다. "줄타기(Tightrope)"는 성공과 실패, 현실과 꿈 사이의 아슬아슬한 균형을 상징하는 동시에, 그 자체로 고된 예술가의 삶에 대한 이야기입니다.
📚 입시 포인트: 앨범 콘셉트와 개별 트랙의 관계. 싱글 곡 하나가 어떻게 더 큰 서사 구조 안에서 의미를 얻는가.
"자넬 모네는 Prince의 계보를 이어받아 아프로퓨처리즘을 대중음악의 언어로 구현한, 음악·퍼포먼스·시각예술이 하나로 통합된 21세기 팝 아트의 정점이다."
에픽하이(타블로, 미쓰라, DJ 투컷)는 2003년 결성된 한국 힙합 그룹으로, 가사(Lyric)의 문학성을 대중음악의 수준으로 끌어올린 팀으로 평가받습니다. 스탠퍼드 영문학 석사 출신 타블로의 가사는 은유, 아이러니, 역설 등 문학적 기법을 음악 안에 자연스럽게 녹입니다.
YG엔터테인먼트 소속으로 주류 씬과 인디 감성 사이에서 독자적인 위치를 지키며, 인디·일렉트로닉·포크·재즈 샘플링을 힙합과 융합해왔습니다. 타블로의 스탠퍼드 학력 위조 논란을 딛고 나온 앨범 Map the Soul(2012)은 팬들에게 헌정된 음악적 선언문으로 남았습니다.
작곡 전공 입시생에게: "좋은 가사가 좋은 음악을 만든다"는 진실을 에픽하이가 20년간 증명해왔습니다.
에픽하이의 대표 발라드 힙합. "내가 당신의 우산이 되겠다"는 단순하면서도 깊은 메시지를 피아노 샘플과 타블로의 시적 랩으로 전달합니다. 윤하의 훅과 타블로의 버스가 만드는 감정의 대비, 그리고 샘플 기반 힙합 프로덕션의 교과서적 구성이 돋보입니다.
📚 입시 포인트: 피처링 보컬과 래퍼의 역할 분담. 각자가 서로를 어떻게 보완하는지, 곡의 감정선을 어떻게 나누는지 분석.
"Happy Ending"과 "Happen Ending"의 언어유희 — 일어나버린 결말. 인디 록 사운드와 힙합 랩이 공존하는 장르 혼합의 대표 곡. 이별 후 지속되는 일상을 묘사하는 가사는 시집의 한 편처럼 읽힙니다. 타블로 특유의 소박하고 진솔한 랩 스타일이 가장 잘 드러나는 곡 중 하나.
📚 입시 포인트: 제목 하나가 곡 전체의 세계관을 정의하는 법. 언어의 창의적 활용이 음악의 첫 번째 편곡이다.
한국 힙합 사이퍼(Cypher) 역사의 한 페이지. 6명의 래퍼가 차례로 등장해 각자의 스타일로 "혐오자"를 향한 메시지를 쏟아냅니다. 각 래퍼의 개성이 뚜렷하면서도 전체 프로덕션이 통일성을 유지하는 편곡이 핵심. DJ 투컷의 비트 위에서 한국 힙합의 장르적 성숙을 보여줬습니다.
📚 입시 포인트: 여러 아티스트가 등장해도 곡의 정체성이 유지되는 프로덕션 전략. 피처링 편곡의 핵심.
"에픽하이는 한국어 가사가 도달할 수 있는 문학적 높이를 랩이라는 형식으로 증명한, 20년간 장르보다 언어를 먼저 생각해온 아티스트들이다."
백예린은 JYP엔터테인먼트 소속 15&(피프틴앤드) 출신으로, 2019년 독립 레이블 EDAM을 설립하고 완전 독립 아티스트로 전향한 한국 인디 팝의 상징적 인물입니다. 대형 기획사의 안정을 버리고 선택한 자유는 그녀만의 완전히 독자적인 음악 세계를 완성시켰습니다.
그녀의 음악은 인디 팝의 서정성과 R&B의 감각이 결합된 독특한 질감을 가집니다. 복잡한 편곡보다 목소리와 멜로디의 순수함을 강조하는 방향성, 직접 작사·작곡·프로듀싱에 참여하는 싱어송라이터적 자세가 팬들의 절대적 신뢰를 얻었습니다.
보컬 입시생에게: "시스템에 기대지 않고 자기 자신이 되는 것"이 가장 강력한 아티스트의 무기임을 백예린이 증명합니다.
독립 후 발표한 첫 EP의 대표곡. 기타 반주 하나에 목소리만으로 시작되는 이 곡은 "대형 기획사의 화려한 사운드 없이도 음악이 가능하다"는 선언처럼 들립니다. 두 사람 사이의 감정을 도형(Square)으로 표현하는 추상적 가사와, 그 추상성을 구체적인 감정으로 전달하는 보컬의 힘.
📚 입시 포인트: 미니멀한 편성에서 최대의 감동을 이끌어내는 법. "적게 가지고 많이 말하는" 작곡의 역설.
R&B 인플루언스가 강해진 시기의 대표곡. 영어 가사와 한국어 가사를 자연스럽게 전환하며, 느슨하고 그루비한 비트 위에 백예린 특유의 담담하면서도 감정적인 보컬이 흐릅니다. 감정을 과잉되게 표현하지 않으면서도 더 깊이 파고드는 절제의 미학.
📚 입시 포인트: 보컬의 절제. 강하게 부르지 않아도 감동을 줄 수 있는 것 — 힘을 빼는 것이 오히려 더 큰 힘이다.
"백예린은 대형 기획사의 안정을 버리고 독립 레이블을 설립해 오롯이 자기 자신의 음악을 완성한, 한국 인디 팝의 독립 정신과 보컬 서정성의 상징이다."
실리카겔은 2016년 결성된 한국의 4인조 사이키델릭 록/뉴 웨이브 밴드입니다. 영미권 사이키델릭 록, 크라우트록, 포스트 펑크의 문법을 한국 정서와 결합해 독자적인 사운드를 만들었습니다. 한국대중음악상에서 올해의 음반, 최우수 록 부문을 포함해 역대 최다 수상 기록을 보유한 팀입니다.
그들의 음악은 단순히 "록"으로 분류하기 어렵습니다. 신시사이저와 기타의 층위가 복잡하게 교차하고, 한국어 가사가 외국 장르 위에서 전혀 어색하지 않게 흐릅니다. 공연에서의 에너지와 앨범 속 정밀함이 동등하게 높다는 평가를 받습니다.
작곡·기타 전공 입시생에게: 실리카겔은 "한국어가 록의 언어가 될 수 있다"는 것을 가장 완성도 높게 보여주는 밴드입니다.
실리카겔의 음악적 정체성이 가장 명확하게 드러나는 곡. 포스트 펑크 기타 리프와 크라우트록의 반복적인 그루브가 결합되어 최면적인 사운드를 만들어냅니다. "고통 없음"을 반복하는 역설적 가사는 마비와 무감각에 대한 현대인의 감각을 포착합니다. 한국어 가사가 이 사운드 위에서 얼마나 강력할 수 있는지의 증명.
📚 입시 포인트: 반복(Repetition)의 힘. 같은 패턴의 반복이 어떻게 에너지를 축적하고 폭발로 이어지는지 — 미니멀리즘과 최대 효과.
실리카겔의 초기를 대표하는 곡으로, 그들의 사이키델릭 록 사운드의 원형. "통조림"이라는 일상적 소재를 통해 감정의 봉인과 해방을 이야기합니다. 층층이 쌓이는 기타 텍스처, 비선형적 구조, 한국 인디 씬에서 전례 없는 사운드 디자인이 독창성의 핵심입니다.
📚 입시 포인트: 일상적 소재의 음악적 승화. 가장 평범한 단어가 가장 강력한 은유가 되는 방식 — 제목의 힘.
"실리카겔은 사이키델릭 록·크라우트록·포스트 펑크를 한국어와 결합해 한국대중음악상 최다 수상을 달성한, 한국 록이 나아갈 새로운 문법의 가장 선명한 주소다."
윤석철은 한국 재즈 피아노 씬의 가장 존경받는 뮤지션입니다. 올해는 Artifaction이라는 새로운 포맷으로 서울재즈페스티벌에 서며, 더 확장된 편성으로 새로운 음악 세계를 선보입니다. 게스트로 율음이 함께합니다.
그의 피아노는 Bill Evans의 서정성과 Keith Jarrett의 즉흥적 영성을 기반으로 하되, 한국적 여백과 농담(濃淡) — 말하지 않는 것이 말하는 것보다 더 많은 여운을 남기는 미학 — 이 깊숙이 배어있습니다. ECM 레이블의 북유럽 재즈가 가진 정적인 아름다움과 서울의 도시적 감수성이 공존합니다.
재즈 피아노 전공 입시생에게: 윤석철은 "재즈를 한국어로 말하는 것이 가능하다"는 사실을 20년간 증명해온, 가장 가까이 있는 모범입니다.
한국적 정서가 재즈 언어로 가장 아름답게 표현된 곡. 멜로디는 동화처럼 단순하지만, 그 아래의 화성 진행은 복잡한 재즈 언어를 사용합니다. 피아노 오른손의 선율과 왼손의 반주 사이 대화, 베이스와 드럼의 절제된 서포트가 만드는 투명한 텍스처. 아는 것과 모르는 것 사이 어딘가에서 음악이 흐릅니다.
📚 입시 포인트: 멜로디의 단순함과 화성의 복잡함이 공존하는 법. "쉽게 들리는 어려운 음악"이 최고의 음악이다.
윤석철의 라이브 즉흥연주는 그의 음반보다 훨씬 더 많은 것을 담고 있습니다. 모달 재즈의 여백 안에서 각 멤버가 서로를 듣고 반응하는 방식, 피아노-베이스-드럼이 하나의 유기체가 되는 과정 — 이것이 재즈 트리오의 본질입니다. 어떤 악보도 없이, 세 사람이 그 순간 만드는 음악.
📚 입시 포인트: 트리오 내 커뮤니케이션. 리드를 주고받는 방법, 서로를 지지하는 방법 — 재즈 앙상블의 민주주의.
"윤석철은 Bill Evans의 서정성과 한국적 여백의 미를 하나로 잇는, 국내 재즈 피아노 트리오의 가장 신뢰할 수 있는 기준점이자 이 땅에서 재즈를 한국어로 말하는 가장 완성된 언어다."
wave to earth는 2019년 결성된 한국의 인디 팝 밴드입니다. 대형 기획사, 유명 오디션 프로그램, 틱톡 바이럴 없이 음악 자체의 힘만으로 스포티파이 글로벌 차트에 진입하고 해외 팬덤을 형성한 한국 인디의 기적적 사례입니다.
그들의 음악은 재즈적 코드 감각, 인디 팝의 서정성, 로파이(Lo-fi) 질감이 결합된 편안하고 따뜻한 사운드입니다. 빠른 템포나 강렬한 훅 없이도 청자를 붙잡는 "대기(Atmosphere)"의 힘이 핵심입니다. 가사는 한국어와 영어를 자연스럽게 혼용합니다.
입시생에게: wave to earth는 "장르 공부보다 자기 음악의 색깔을 찾는 것이 먼저"라는 사실을 가장 현실적으로 보여주는 밴드입니다.
wave to earth를 세계에 알린 대표곡. 잔잔한 기타 리프와 드럼 브러시 위에 한국어와 영어가 뒤섞인 보컬이 흐릅니다. "홈시크"라는 보편적 감정을 담담하게 노래하는 방식이 국가를 초월해 공감을 얻었습니다. 스포티파이에서 수억 스트리밍을 달성한 곡.
📚 입시 포인트: 글로벌 공감의 조건. 화려한 기교 없이 보편적 감정에 집중했을 때 언어 장벽이 사라지는 법.
재즈적 코드 보이싱이 인디 팝 사운드에 자연스럽게 녹아든 곡. 어떤 재즈 용어도 모르는 청자도 "왠지 이 코드가 좋다"고 느끼게 만드는 것이 바로 재즈 화성의 힘입니다. 가사의 감정과 음악의 분위기가 완벽하게 일치하는 곡의 좋은 예시.
📚 입시 포인트: 재즈 화성을 팝 맥락에서 사용하는 법. 이론 없이도 귀로 배울 수 있는 코드 보이싱의 감각.
"wave to earth는 틱톡·기획사·오디션 없이 음악 자체의 힘만으로 스포티파이에서 글로벌 팬덤을 만든, 한국 인디가 세계와 연결될 수 있음을 증명한 가장 조용한 혁명이다."